Depeche Mode
Memento Mori: Mexico City
(Venusnote/Columbia/Sony)
electro-pop, electro-rock, synth-pop
Registrato nell’iconico Foro Sol Stadium di Città del Messico nel settembre 2023, Memento Mori: Mexico City rappresenta molto più di un semplice documento dal vivo per i Depeche Mode. Si tratta di una dichiarazione artistica che celebra la resilienza creativa di Dave Gahan e Martin Gore dopo la perdita di Andy Fletcher, cofondatore della band scomparso nel 2022. Questo doppio album cattura oltre due ore di performance elettroniche che attraversano quattro decenni di innovazione sonora, accompagnate da quattro brani inediti estratti dalle sessioni di registrazione dell’album Memento Mori.
Il contesto messicano non è casuale: la scelta di immortalare questi concerti davanti a quasi duecentomila spettatori nell’arco di tre serate consecutive sottolinea il profondo legame tra la poetica della band inglese e la cultura latinoamericana della morte come celebrazione anziché semplice fine. Il regista messicano Fernando Frías ha catturato questa connessione nel documentario M, che accompagna l’uscita del disco, intrecciando le esibizioni con materiale d’archivio e riflessioni sulla tradizione del Día de los Muertos. E quindi questo album è disponibile in 4 vinili, 2 CD, 2 Cd + 2 DVD e 2 CD + 2 Blu-Ray. Al momento sembra mancare all’appello la versione UHD (Blu-Ray 4K).
Per comprendere appieno la portata artistica di questo lavoro dal vivo, occorre riconoscere le molteplici influenze che hanno forgiato il suono dei Depeche Mode nel corso della loro carriera. Il duo attinge alle sperimentazioni della scuola elettronica tedesca di Kraftwerk e Tangerine Dream, filtrandole attraverso la sensibilità oscura del movimento gotico britannico degli anni Ottanta. L’impronta di Cabaret Voltaire e Throbbing Gristle è evidente nell’uso di texture industriali, mentre l’eredità dei Velvet Underground di Lou Reed emerge nelle tematiche esistenziali e nella sensualità tormentata dei testi.
Martin Gore ha sempre dichiarato la sua ammirazione per i grandi cantautori della tradizione pop come Neil Young e Leonard Cohen, che traspare nell’approccio melodico anche quando avvolto in sintetizzatori stratificati. L’influenza della musica sacra e dei canti gregoriani, esplorata già negli anni Novanta, continua a permeare le composizioni più recenti con quella dimensione di trascendenza che caratterizza il loro suono maturo.
Dal punto di vista tecnico, la registrazione del Foro Sol Stadium beneficia di una tecnica che riesce a catturare sia l’intimità delle composizioni più sussurrate sia la potenza dei momenti più carichi di tensione. Il mixaggio privilegia e valorizza le frequenze medio-basse dei sintetizzatori, senza sacrificare la chiarezza delle linee vocali di Gahan. La voce del cantante emerge con una presenza quasi fisica, con quel timbro baritonale graffiato dall’esperienza che negli anni ha acquisito profondità e sfumature emotive sempre più ricche.
Per una audiofilo impenitente come chi vi scrive, l’ascolto dei FLAC a 24bit di Amazon Music risulta quanto meno mortificante. Il formato dovrebbe assicurare una qualità da far staccare l’intonaco dalle pareti, invece … il risultato finale è scarsamente dimanico; senza farla troppo lunga, è ottimizzato per un ascolto da smartphone con cuffiette da 10 euro.
Ma veniamo alla musica.
L’apertura con My Cosmos Is Mine stabilisce immediatamente le coordinate estetiche della serata: pulsazioni elettroniche ipnotiche che evocano atmosfere berlinesi mescolate a melodie cariche di malinconia. Wagging Tongue prosegue con il suo incedere ossessivo, costruito su sequenze ritmiche che omaggiano (o plagiano?) i Kraftwerk.
Walking In My Shoes assume nuove connotazioni in questo contesto post-Fletcher: la metafora del camminare nelle scarpe altrui diventa riflessione sulla perdita e sulla necessità di proseguire portando il peso dell’assenza. L’arrangiamento mantiene la struttura originale ma l’esecuzione dal vivo infonde una fragilità che il brano non possedeva nella versione da studio del 1993. La sezione ritmica conserva quella precisione meccanica che i Depeche Mode hanno ereditato dalla scuola krautrock, ma le code di riverbero sui sintetizzatori creano un’atmosfera quasi liturgica.
Sister Of Night brilla per l’utilizzo sapiente di filtri passa-basso sui bassi sintetici, creando quel caratteristico suono gommoso e pulsante che ha influenzato generazioni di produttori di musica elettronica. Il brano esemplifica l’abilità della band nel fondere sensualità e oscurità, un binomio che richiama l’estetica dei Joy Division filtrata attraverso una sensibilità più carnale e mediterranea. Dave Gahan interpreta il pezzo con quella teatralità controllata che deve molto ai grandi cantanti di rock gotico come Ian Curtis e Peter Murphy dei Bauhaus.
In Your Room si conferma uno dei vertici compositivi del repertorio dei Depeche Mode: la progressione armonica minimalista sostiene una melodia di rara intensità emotiva, mentre l’uso di campionamenti di respiri e sussurri crea un’atmosfera claustrofobica che riflette perfettamente il testo, mentre la produzione dal vivo evidenzia i layer di sintetizzatori sovrapposti.
Everything Counts acquista una dimensione quasi profetica: scritta nel 1983 come critica al capitalismo sfrenato, la canzone risuona con rinnovata attualità nel contesto economico contemporaneo. L’arrangiamento live enfatizza gli elementi percussivi elettronici e, quindi, dei pattern ritmici.
I Feel You esplode con quella carica di rock elettronico viscerale che la band ha sviluppato a partire dagli anni Novanta: il riff di chitarra distorta di Martin Gore dialoga con linee di basso sintetico profonde e terrose, rivelando l’influenza del blues elettrico di Muddy Waters e John Lee Hooker, filtrata attraverso l’estetica elettronica.
Stripped mantiene intatta la sua capacità di creare paesaggi sonori stranianti. Le texture sintetiche lavorano per sottrazione piuttosto che per addizione: il risultato è un brano che respira, lasciando spazio al silenzio e alle pause tanto quanto alle note suonate.
Ghosts Again, uno dei singoli traenti dall’album Memento Mori, assume una dimensione ancora più toccante nell’esecuzione dal vivo: il testo che parla di fantasmi e presenze evoca inevitabilmente la memoria di Fletcher, trasformando la canzone in un tributo non dichiarato ma palpabile.
I quattro brani aggiuntivi estratti dalle sessioni di Memento Mori arricchiscono il quadro complessivo dell’opera. Survive emerge come inno alla perseveranza: la melodia ascendente sostenuta da arpeggi di sintetizzatore dialoga con la voce di Gahan in una delle sue interpretazioni più emotive. L’arrangiamento richiama l’estetica degli Ultravox di Midge Ure, band che ha percorso un sentiero parallelo a quello dei Depeche Mode nella nobilitazione della musica elettronica.
Life 2.0 affronta tematiche esistenziali con quella lucidità dolente che caratterizza la scrittura di Gore, mentre Give Yourself To Me rappresenta forse il momento più sensualmente carico dell’intera raccolta: il testo esplicito viene sostenuto da un arrangiamento che fonde elementi di soul elettronico con la tradizione del synth-pop britannico.
In The End chiude il cerchio tematico con una riflessione sulla mortalità che dialoga direttamente con il titolo dell’album: la progressione armonica minimalista crea uno spazio contemplativo dove la voce può esprimere tutta la sua vulnerabilità.
L’ascolto di Memento Mori Mexico City rivela quanto la dimensione dal vivo sia fondamentale per comprendere appieno l’arte dei Depeche Mode: la risposta del pubblico messicano, udibile in diversi momenti della registrazione, testimonia un legame che va oltre la semplice ammirazione musicale. Si tratta di una vera e propria comunione emotiva, rafforzata dalla capacità della band di creare atmosfere immersive attraverso un uso sapiente di luci, visuals e naturalmente del suono stesso.
La scelta di includere classici come Personal Jesus, Enjoy The Silence e Never Let Me Down Again garantisce quella dimensione celebrativa necessaria in un concerto-evento, ma l’equilibrio con il materiale più recente e introspettivo dimostra la maturità artistica di Gahan e Gore. Non si tratta di una semplice operazione nostalgia, ma di un percorso narrativo che attraversa la storia della band mostrando la coerenza della loro visione artistica.
Memento Mori: Mexico City si inserisce nella tradizione dei grandi album dal vivo che hanno definito ere musicali: 101 aveva catturato i Depeche Mode al loro apice commerciale, mentre questo lavoro li ritrae in una fase di riflessione matura sulla propria eredità e sul significato dell’arte di fronte alla perdita. La distanza tra i due documenti misura non solo il passare del tempo, ma l’evoluzione di una band capace di reinventarsi continuamente pur mantenendo un’identità sonora riconoscibile.
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